Arranged Excitement — Capítulo 1 · Yes (1969)

Pestaña 1

ARRANGED EXCITEMENT · A MUSICAL HISTORY OF YES

CHAPTER ONE

Yes

1969

Atlantic Records · Reino Unido, 25 de julio de 1969 · Estados Unidos, 15 de octubre de 1969

Producción: Paul Clay y Yes · Advision y Trident, Londres

⁂

Side one

Beyond and Before

I See You

Yesterday and Today

Looking Around

Side two

Harold Land

Every Little Thing

Sweetness

Survival

SIDE ONE · TRACK 1

Beyond and Before

Clive Bayley y Chris Squire

Documented history

Origin and authorship

«Beyond and Before» no fue escrita para Yes. Nació en Mabel Greer's Toyshop, la banda psicodélica proto-Yes formada en Londres en 1966–67 por el guitarrista y cantante Clive Bayley y el baterista Bob Hagger.^[1]

Peter Banks sí estuvo en la banda anterior. Banks y Squire habían tocado juntos en The Syn; tras la disolución de The Syn, ambos se sumaron a Mabel Greer's Toyshop, con Bayley pasando a guitarra rítmica y Banks a guitarra líder. Banks tocó en las grabaciones de Mabel Greer's Toyshop de 1967–68, se alejó un tiempo (pasó por Neat Change) y fue convocado de nuevo como guitarrista antes del cambio de nombre a Yes en agosto de 1968. Fue además quien propuso el nombre «Yes». Una versión temprana de «Beyond and Before» https://open.spotify.com/track/3dguwzxy6oKInEURgIef7F?si=k0lNt_VHQWihfjyjA9HM2A&utm_source=copy-link, aparece en su compilación Can I Play You Something? (1999/2000), con grabaciones de The Syn, Mabel Greer's Toyshop y Yes.^[2]

La canción fue coescrita solo por Clive Bayley y Chris Squire. No es una composición de toda la banda; Banks tocó en ella pero no figura como compositor.^[3]

A Clive Bayley se lo describe como la fuerza creativa de Mabel Greer's Toyshop: creaba las canciones, componía, arreglaba, cantaba y tocaba la guitarra; es el autor de la letra. Squire es, con justicia, coautor, y quien llevó la canción hacia Yes.^[4]

Nota sobre la transición de The Mabel Greer’s Toyshop (TMGT)  a Yes durante el año 1968

Anderson ingresa en TMGT en Mayo, poco después Bayley ( voz compositor y guitarra rítmica) y Hagger (Baterista) dejan la banda , Bruford se une en Junio a través de la lectura de un aviso para reemplazar a Hagger y en Julio ingresa Tony Kaye conocido de Anderson, y que había participado en esta grabación, hoy  de culto ,  https://youtu.be/r4G3K3z-3tM?si=xhSLuJUfJuzJsOzP. Semanas después en Agosto se cambian el nombre a Yes.

Recording and release

Yes audicionó para Ahmet Ertegun (Atlantic) en el Speakeasy Club de Londres; la firma se reportó en prensa en marzo de 1969. El disco debut se grabó en la primavera de 1969 en los estudios Advision y Trident, Londres, con producción acreditada a la banda junto a Paul Clay. El álbum Yes salió el 25 de julio de 1969 (Reino Unido) y el 15 de octubre de 1969 (Estados Unidos), por Atlantic Records.^[5]

Lugar en el álbum: pista 1, lado A, el tema de apertura. Duración aproximada: 4:55. Mabel Greer's Toyshop lo tocaba como número de apertura en vivo todas las noches (incluso antes de que Jon Anderson se sumara), y Yes mantuvo esa tradición un tiempo: por eso abre el debut.^[6] La crítica señala que ya insinúa el sonido «space rock» que la banda luego cultivaría.^[7]

Live performances

Televisión francesa, 1969: video en el canal de YouTube «INA Chansons» (Institut national de l'audiovisuel). https://youtu.be/c0feGCVaS40?si=TbNcKMw6hryjdYnQ  Una transmisión francesa de «Beyond and Before» figura también en la compilación Beyond & Before – BBC Recordings 1969–1970 (reedición 2022, Purple Pyramid), acreditada como «Rare French Broadcast».

Televisión belga, programa Pop-Eye, Bruselas, 15 de octubre de 1969 (el mismo día del lanzamiento en Estados Unidos). Incluido en la compilación Yes – In the Beginning. En esa misma compilación figura una versión aún anterior para el programa Nightride de BBC Radio 1, de comienzos de 1968.^[8]

The five-piece arrangement

• Chris Squire (bajo). Ex-The Syn; bajo tocado con púa, de sonido enorme y definido, usado como instrumento líder y no como mera base. Comparado a menudo con John Entwistle (The Who). Es la columna del tema.
• Peter Banks (guitarra). Ex-The Syn y ex-Mabel Greer's Toyshop; enfoque angular, «todo punteado, nada rasgueado», raíces de folk y skiffle (su primera gran influencia fue Lonnie Donegan) cruzadas con jazz, voicings poco convencionales y fuzz. Define la textura nerviosa y filosa.
• Bill Bruford (batería). Formación de jazz, precisión técnica, ejecución de buen gusto y minimalista que «canta». Aporta swing y matiz en vez de un pulso rockero plano.
• Tony Kaye (teclados). Pianista de formación clásica que prefería el Hammond directo antes que los sintetizadores experimentales; su órgano dialoga con la sección rítmica sin imponerse.
• Jon Anderson (voz). También ex-Mabel Greer's Toyshop; acá todavía en rol de armonía junto a Squire, aún no la voz líder que sería. La sociedad Anderson/Squire, nacida del amor compartido por la armonía (Beatles, Simon & Garfunkel), empieza acá. Anderson además traía una veta clásica (Sibelius).^[9]

El método compositivo. El baterista Bob Hagger describió que la banda tomaba el tema y las melodías de Bayley, armaba un par de versos y se lanzaba a improvisaciones de unos diez minutos antes de volver al tema, a la manera del jazz. La letra nació dentro de la improvisación psicodélica en vivo, no como un poema cerrado con un mensaje único. Esto explica la imaginería libre y asociativa.^[10]

El estilo lírico de Bayley. Varias fuentes independientes describen a Mabel Greer's Toyshop como una combinación de psicodelia, blues americano y arreglos de influencia clásica con letras poéticas, con Bayley como autor principal.^[11]

El contexto posterior a Sgt. Pepper's. Toda la banda nació bajo el signo de Sgt. Pepper's, incluido el nombre largo y psicodélico. Esto ancla la letra en la ola psicodélica británica de 1967.

Autodescripción de Bayley. Comparó el estilo de Mabel Greer's Toyshop con un cruce entre Pink Floyd y los Byrds: líneas melódicas fuertes y buenas armonías, algo más orientado al classic rock.^[12]

Meaning

No se halló ninguna explicación de la letra dada por Bayley o Squire en fuentes trazables. A diferencia de temas posteriores de Yes, en los que Anderson habló extensamente de su intención, este tema temprano de Mabel Greer's Toyshop no tiene exégesis autoral documentada.

Lyric notes

La letra arranca con un paisaje de árboles brillantes y plateados, ramas que se mecen y un bosque solitario. Sigue con hojas de un color irreal que giran en torno al rocío de la mañana, formando patrones que solo la persona a quien se habla entiende. Aparece luego el tiempo comparado con polvo dorado que empuja la mente hacia niveles profundos y ocultos, y un gesto de hablarle al viento como último resto de algo que perteneció al invierno. Hacia el final llegan la nieve, el frío y un hechizo de hielo, y el que habla le dice a alguien que se fue que, sin esa persona, el verano se le hará interminable y sentirá que su vida se termina. El título cierra como estribillo.

Interpretive reading

La letra no es un cuadro fijo sino una secuencia: un cambio de estación, un clima que muta. Las primeras imágenes (ramas que se mecen, hojas, sombras suaves) son más de otoño que de pleno invierno; el invierno duro (nieve, hielo) aparece recién al final. Hay entonces un recorrido del otoño al invierno pleno.

El invierno funciona como un proceso de muerte de ciertas cosas, pero no como final: es espera. Se aguarda la primavera y el verano para recobrar la vida, nuevos soles y nuevas hojas.

El que habla se dirige a una mujer: sin ella, el verano será demasiado largo. La ruptura habría ocurrido durante el invierno (el frío, el hechizo de hielo). En el momento de la canción él estaría ya situado en la primavera y advierte, con angustia anticipada, que el verano venidero, que debería ser plenitud, lo vivirá solo. No llora el pasado: teme el futuro.

Esto ilumina el título, «Beyond and Before» (más allá y antes): el que habla está en la bisagra, mirando el antes (el invierno de la ruptura) y el más allá (el verano vacío que se viene). El clima exterior espeja el estado interior.

A personal view

La versión original de Mabel Greer's Toyshop lleva un tempo más tranquilo, más del primer rock inglés. La pronunciación y la forma de cantar se ven bastante influenciadas por la banda ícono de Inglaterra, los Beatles, pero algunas cuestiones me hacen acordar a The Who: esa manera de cantar media naif todavía, con rimas básicas.

En cambio, en la versión de este disco se ven coros más largos, arreglos ya de corte progresivo. Esta versión responde a  una banda más sólida que la anterior, y más producida, con lo cual una comparación no podría ser muy justa. Sin embargo, sí hay novedades varias. Más allá de que el espíritu de Sgt. Pepper's está presente, muy presente —Sgt. Pepper's es de alguna manera un creador e influencer de psicodelia—, es un disco que uno también podría llamar progresivo, con lo cual hay muchos giros de esa obra presentes.

Hay  que resaltar que es Banks , quien incorpora sonidos dulces de pedal que Steve Howe luego tomará y aportará  durante muchas de su intervenciones en discos posteriores.  Ese tipo de sonido misterioso que, en esa época y  más en mi caso siendo  niño,  no sabíamos si era una guitarra o un sintetizador;  era un pedal de guitarra:  un pedal de volumen para hacer volume swells, técnica que corta el ataque de la púa para que la nota entre desde el silencio y suene parecida a un teclado o a cuerdas. George Harrison ya la había usado con pedal de volumen en «I Need You» y «Yes It Is» (Beatles), lo que conecta con la matriz beatle y psicodélica del disco. Steve Howe luego lo toca no con un pedal, sino como una steel guitar  .  Peter Banks está lejos de ser  el primero en traer esa técnica al rock, pero sí él la trae a Yes,  aportando una  característica etérea armónica y astral al sonido de la banda . Ese sonido aparece en su forma más gloriosa  en el himno final de "The Gates of Delirium", conocido como "Soon", el tema largo que abre el disco Relayer. Ahí la técnica llega a su máxima expresión en Yes con Howe, pero tiene su génesis en este pedal .

También es justo mencionar , que esta versión de Beyond and Before termina con 10 segundos de guitarra acústica, dando otra pista de lo que va a su uso en Yes.

Esa presencia musical de Bill Bruford:  Acá el bajo y la batería no constituyen solo la típica  base de una banda, sino que la batería es un instrumento expresivo, muy potente, que pone tensión o intensidad, o quizás algún vértigo corto.

Y el bajo es un instrumento que acompaña la melodía, que lleva la canción de forma seductora, invitando a seguirlo todo el tiempo, no haciendo contrapuntos o bases solamente. Y bueno, la presencia más sostenida del Hammond respecto de la versión anterior .

Claramente la canción muestra lo que va a ser el Yes con Tony Kaye y Peter Banks, pero también se puede leer el Yes futuro ahí prácticamente. No todo, pero gran parte de la obra de Yes ya empieza a estar insinuada en esa versión .

Sobre la presentación en vivo — TV francesa, INA Chansons: se muestran como una banda que rockea tanto de forma instrumental como vocal, es decir, un rock en expansión.

Respecto a la estructura de la canción, ya se ve una ambición por generar climas y estructuras del tipo sinfónicas en una canción normal: empieza con introducción filosa de guitarra eléctrica, sostenida por el teclado y después ya comienza la canción en el esquema típico ABAD, en el caso del De se puede ver la influencia de las de las incorporaciones melódicas orientales, iniciaron los Beatles en alguno de sus temas, saliendo de una clásica estructura occidental en los coros.

Entre secciones aprovechan muchísimo para meter instrumentación, buscando virtuosismo, sincronización, energía y simultaneidad de mensajes.

También ya en session pagar la banda y quedar haciendo los vocales, cosas que será  bastante característica de la banda.

También, en un momento, la canción, después de tanta energía, busca un reposo, una Romanía casi celestial, esto también estará presente en muchas horas de ellas, una suerte de post clímax, pero como en tantas obras simplemente un descanso anticipando, como si fuese un remanso anticipando el nuevo asalto del río, para que no se olviden que son una banda Power que quiere sentir la excitación de tocar todos a la vez, haciendo cosas complicadas, lindas, armónicas y sorprendentes  de forma veloz.

Es el Arragend Excitement como carta de presentación .

SIDE ONE · TRACK 2

I See You

Jim (later Roger) McGuinn and David Crosby · Original: The Byrds, Fifth Dimension (Columbia, 18 July 1966)

Lead vocals: Jon Anderson · Engineer: Gerald Chevin · Studio: Advision, London

Length: 6:33 on original pressings

Documented history

The source song

«I See You» was written by McGuinn and Crosby for the Byrds' third album, Fifth Dimension, recorded at Columbia Studios, Hollywood, between 24 January and 25 May 1966 with Allen Stanton producing.^[13] MusicBrainz dates the song's session to 19 May 1966.^[14] The original runs about 2:31–2:38.

Context: Gene Clark, the Byrds' principal songwriter, left in February 1966, and McGuinn and Crosby raised their songwriting output to fill the gap.^[15] The album is built on the Coltrane- and Ravi Shankar-influenced language first heard on «Eight Miles High»; McGuinn later said the band came back from their 1965 English tour «steeped in Coltrane and Ravi Shankar».^[16] «I See You» pairs abstract lyrics with raga-inflected psychedelic guitar solos.^[17]

Entry into the Yes repertoire

The song belonged to Yes's earliest live set (1968–69), which mixed originals with heavily rearranged covers, the Beatles' «Every Little Thing» and «I See You» among them.^[18] It was in the repertoire before the album sessions; the date of its first performance is not documented. No BBC version is known: none of the sessions compiled on Something's Coming: The BBC Recordings 1969–1970 (1997) includes it.^[19]

Recording and release

Yes signed to Atlantic in March 1969 and recorded the album mostly at Advision, with extra sessions at Trident (John Anthony engineering there).^[20] The «March–May 1969» window commonly given is unsourced; Anderson and Banks remembered spending between one and four weeks in the studio.^[21]

Circumstances relevant to this track:

• Production. Banks considered Clay, a film-soundtrack man, unsuited to a rock band, and blamed him for drums that sounded «like biscuit tins» and a «clangy» guitar.^[22]
• Bruford's first professional session. He only realised near the end that he could adjust his headphone mix, and tracked with the guitar loud in one ear and nothing in the other, which bears directly on a track whose centrepiece is a guitar–drums dialogue.^[23]
• Bruford on his own playing. He called it «a mishmash of everything I'd heard» and later recognised his naïve attempts to swing on the cymbals.^[24]
• Banks's verdict. He was disappointed with the album take and later heard its mistakes.^[25]
• The Hammond. Kaye's own instrument was a Vox Continental disguised as a Hammond; for the sessions the band hired a real Hammond organ and spent two days getting it to work properly. The organ heard on the album is therefore a hired Hammond.^[26]

UK release 25 July 1969; US 15 October 1969 on Atlantic. Not issued as a single (the singles were «Sweetness» and «Looking Around»).^[27]

Live life

On stage the guitar-solo section was regularly stretched for several minutes, sometimes ending with Banks throwing his guitar in the air and banging it on the stage.^[28]

The audible document is the Actuel Festival, Amougies, Belgium, 27 October 1969, with a set of «No Opportunity Necessary, No Experience Needed», «Then», «It's Love», «Everydays», «I See You» and «Something's Coming». The circulating tape contains a very extended version with the Banks–Bruford duet.^[29]

Contemporary reception

David Wagner (The Post-Crescent, Appleton, Wisconsin, 21 December 1969) heard «a lot of jazz swinginess» on the two covers and compared Banks to Wes Montgomery, especially in the guitar–drums section of «I See You». Lester Bangs's Rolling Stone review (7 February 1970) praised the album as a whole.^[30]

Meaning

No statement by any member of Yes about what the lyric means has been located. Every documented Yes comment on this song concerns performance and recording.

The choice fits the band's documented early method: taking other people's songs and rebuilding them as vehicles for arrangement.^[31] In this case the rebuild opens the song into an improvising space for Banks and Bruford; the band's own testimony is about that space (its length on stage, Banks's frustration with the studio take), not about the words.

On the composers' side, Johnny Rogan reads the song as part of the Byrds' shift away from Gene Clark's dark romanticism toward songs examining psychological states.^[32] That is a biographer's reading, not a writer's statement. A 2023 retrospective links it to McGuinn and Crosby's shared interest in Indian music and Coltrane; it is journalism, also not a writer's statement.^[33]

Lyric notes

The text is short and built on its title phrase as a refrain, addressed in the second person. Its subject is perception, seeing someone and being taken over by that act of seeing, rendered in abstract, image-driven fragments rather than narrative.^[34]

In the Byrds' two and a half minutes, words and guitar breaks share the space. In Yes's six and a half minutes the words occupy a small fraction, and the song's centre becomes the instrumental section. That ratio is itself an interpretive fact about the cover.

A lyric about attention to another person is carried by an arrangement whose core is two players attending to each other: Banks and Bruford in duet, with Bruford at the time hearing only the guitar in his headphones.

A personal view

Este cover de The Byrds ofrece a Bruford la posibilidad de tocar distintos ritmos del jazz  partiendo de la métrica más simple que traía la versión de The Byrds, con una melodía naif y una letra de mucha conexión, típica de la psicodelia de ver y de amar. Es exquisito el solo de Peter Banks sobre la polirritmia más de jazz experimental de Bruford. Así que empieza como una canción pop de estilo naif americano, de música de supermercado, para pasar al jazz y coronar con rock basado en la intervención poderosa de Squire y los filosos acordes del Hammond de Tony Kaye. Yes parecería decir en este cover  "Vinimos a tocar"; en porteño sería "vinimos a poner lo que hay que poner’, ejecución fuerte y ambiciosa: no importa si partimos del tema más simple, nosotros venimos a potenciarlo.

SIDE ONE · TRACK 3

Yesterday and Today

Jon Anderson

Documented history

Origin and authorship

Composición acreditada solo a Jon Anderson. En la edición original figura como «John Anderson»; Anderson quitó la «h» de su nombre en 1970 (el crédito ya sale como «Jon» en Time and a Word).^[35]

No se halló ninguna fuente trazable sobre cuándo, dónde o en qué circunstancias Anderson escribió la canción. No hay dato documentado ni leyenda que corregir: el origen queda en blanco.

Recording and release

El disco debut se grabó en la primavera de 1969, mayormente en Advision, con sesiones adicionales en Trident (Londres). Producción: Paul Clay y Yes. Ingeniero: Gerald Chevin; en las sesiones de Trident, John Anthony.^[36]

«Yesterday and Today» es uno de los temas grabados en Trident y tiene a Bill Bruford en vibráfono. Bruford había asegurado a la banda que sabía tocar el instrumento, pero Peter Banks recordó que se puso nervioso a la hora de grabar.^[37]

Contexto que respalda la anécdota: según la cronología oficial de Bruford, de adolescente, bajo la influencia de compañeros de colegio aficionados al jazz, empezó a estudiar en serio batería y vibráfono de jazz. Además, estas sesiones fueron su primera vez en un estudio profesional; recién casi al final del disco descubrió que podía ajustar el volumen de los demás instrumentos en sus auriculares.^[38]

Instrumentation

Créditos generales del disco: Bill Bruford, batería y vibráfono; Tony Kaye, órgano y piano; Peter Banks, guitarras y voces; Chris Squire, bajo y voces; Jon Anderson, voz principal y percusión incidental.^[39]

Según la crítica, es un tema de raíz folk, con un motivo de guitarra acústica rasgueada de Banks que luego pasa a toques eléctricos más jazzeros; un interludio de piano de Kaye; algo de percusión; bajo contenido de Squire.^[40]

Release

El álbum salió el 25 de julio de 1969 (Reino Unido) y el 15 de octubre de 1969 (Estados Unidos), por Atlantic Records. Lugar en el álbum: lado A, pista 3.^[41]

Live performances

Ninguna documentada. No figura en Something's Coming: The BBC Recordings 1969–1970 (las únicas grabaciones en vivo publicadas de la formación original) ni en setlist.fm.

Meaning

No se halló ninguna declaración de Anderson ni de otro integrante sobre el significado de la canción (entrevistas, notas de tapa, programas de gira).

Como recepción, fuera de los cuatro registros: Dave Connolly señaló este tema y «Sweetness» como los más suaves del disco y los que más envejecieron.^[42] Preston Frazier sostiene que recompensa la escucha atenta, pero que termina antes de que la banda despegue.^[43]

A personal view

Definitivamente una canción de amor cantada con una dulzura y un cuidado asombrosos, dejando ver que piensa todo el tiempo en esa persona y en las cosas que hacen juntos, varias veces, y una de las cosas que hacemos… sin ser explícito; quizás por el clima de la época, no quiso hacer una referencia explícita a experiencias sexuales o de drogas. La canción es una balada casi folk con el vibráfono en Bruford y algún pianito de fondo, de una gran dulzura y cuidado, y también es un mensaje de lo que vendrá, en el sentido de que Jon Anderson va a cantar con registros casi femeninos, sin importarle que en aquella época alguien pueda confundir su voz con la de una mujer. Esto es una declaración de principios de cómo va a cantar en toda su carrera.

SIDE ONE · TRACK 4

Looking Around

Jon Anderson y Chris Squire

Documented history

Origin and authorship

«Looking Around» es la primera composición firmada solo por Jon Anderson y Chris Squire que aparece en un disco de Yes. En el mismo álbum colaboran también en otros temas, pero con un tercer autor (Bill Bruford en «Harold Land», Clive Bayley en «Sweetness»). En la edición original de 1969 Anderson figura como «John Anderson»; quitó la «h» en 1970.^[44]

No se halló ninguna fuente trazable sobre cuándo, dónde o cómo se compuso la canción.

Single release

Segundo single del disco, después de «Sweetness». Fecha de edición: 3 de octubre de 1969. No entró en rankings, igual que el álbum.^[45]

Toppermost lo presenta como el primer single de la banda. Es un error: el primer single fue «Sweetness», con «Something's Coming» como lado B, editado el 4 de julio de 1969.^[46]

Reeditado en la compilación Yesterdays (Atlantic, 28 de febrero de 1975).^[47]

Live performances

BBC Radio, programa Symonds on Sunday (Dave Symonds), 4 de agosto de 1969. Incluida en la compilación Something's Coming: The BBC Recordings 1969–1970 (NMC, 1997; ficha: «Dave Symonds Show, 4/8/1969») y en el LP Broadcasts 1969 (2022).^[48]

Televisión alemana, programa Beat Club, noviembre de 1969, junto con «Survival» y «No Opportunity Necessary, No Experience Needed». Las tomas de «Looking Around» y «Survival» quedaron inéditas porque en el programa solo podía salir un tema de Yes; se publicaron recién en el DVD The Lost Broadcasts (2009).^[49]

Estreno en vivo: no se halló fecha documentada. La lista de giras de Wikipedia incluye el tema en el repertorio 1968–69 (con las fechas del Marquee desde agosto de 1968), pero no lo vincula a conciertos concretos.

Recording and release

El disco debut se grabó en la primavera de 1969, mayormente en Advision, con sesiones adicionales en Trident (Londres). Producción: Paul Clay y Yes. Ingeniero: Gerald Chevin (John Anthony en las sesiones de Trident). No está documentado en qué estudio se grabó este tema en particular.^[50]

La única anécdota específica del tema: al grabarla, la banda tuvo problemas de afinación porque no tenían claro en qué tonalidad estaba la canción. Squire la consideró siempre uno de sus temas favoritos del disco.^[51]

Contexto de las sesiones que incide en el sonido del tema: dos días para hacer funcionar un Hammond alquilado, porque Kaye en realidad tenía un Vox Continental disfrazado de Hammond.^[52] Banks consideró que Clay no era el productor adecuado y se quejó del sonido de la batería de Bruford.^[53]

Lugar en el álbum: pista 4, cierre del lado A. Duración: 3:58 (algunas ediciones imprimen 3:49). El álbum salió el 25 de julio de 1969 (Reino Unido) y el 15 de octubre de 1969 (Estados Unidos), por Atlantic.

Según la crítica, abre con un riff de Hammond de Tony Kaye, señalado como su momento de mayor lucimiento en el disco, sostenido por una batería agresiva de Bruford; coros de Squire y Banks con un brillo más folk-pop que el coro característico del Yes posterior; Anderson canta en un registro más grave que el habitual.^[54]

Meaning

No se halló ninguna declaración de Anderson ni de Squire sobre el significado de esta letra. Lo único documentado alrededor es que Squire la tenía entre sus temas favoritos del disco, lo que habla de su valoración, no del sentido.^[55]

En mi opinión la  letra se refiere a la libertad de mirar alrededor al exterior y ver que pasa, conecta con beyond and before, en el sentido de dar un paso más en la búsqueda y dejar atrás etapas.

Lyric notes

Como anclaje musical para el análisis: el punto de vista en primera persona, observacional, que anuncia el título, cantado por Anderson en registro grave contra los coros de Squire y Banks.

A personal view

Bueno, esta canción inaugura ya un tempo y un rock más definido, con riff de teclados y guitarra, donde aquí ya el bajo sí empieza a ser un bajo típico de rock, que genera armonía, contrapuntos y ritmo, parecido al bajo de The Who [John Entwistle]. La presencia del teclado iniciando temas en riffs aparecerá posteriormente, bien marcada, en temas icónicos de discos posteriores, como "Parallels" de Going for the One. La influencia de [Keith] Emerson en tiempos de The Nice está presente. El 2 de mayo de 1968 ( Yes, que en ese momento se  llamaba Mabel .. fue telonero de The Nice que tocaba muy a menudo en el pub The Marquee donde los pre-yes también frecuentaban.

SIDE TWO · TRACK 5

Harold Land

Jon Anderson, Chris Squire y Bill Bruford

Documented history

Origin and authorship

Firmada por Jon Anderson, Chris Squire y Bill Bruford. Es la única composición del disco con crédito de Bruford y, junto con «Sweetness» (Anderson, Squire y Bayley), uno de los dos temas del álbum con tres autores. En la edición original Anderson figura como «John Anderson».^[56]

El título: según Bruford, alguien preguntó en voz alta cómo llamar el tema, diciendo que quería escribir sobre un hombre llamado tal y tal, y él tiró «Harold Land» al pasar por la sala.^[57]

Harold Land (Houston, 18 de diciembre de 1928 – 27 de julio de 2001) fue un saxofonista tenor estadounidense de hard bop y post-bop, conocido sobre todo por su paso por el quinteto Clifford Brown–Max Roach (1954–55). En 1969 codirigía un grupo con el vibrafonista Bobby Hutcherson.^[58]

En un texto de su sitio oficial del 20 de septiembre de 2010, Bruford escribió que Land era un tenor de hard bop, ya fallecido, y que no recordaba por qué le pusieron su nombre a una canción.^[59]

En Welch 2008 Bruford recuerda haber propuesto el nombre; en 2010 dice no recordar el porqué. No es una contradicción plena: recuerda el gesto, no el motivo.

No se halló fuente trazable sobre cuándo, dónde o cómo se compuso la música ni quién escribió la letra dentro del trío.

Release

No fue single. Pista 1 del lado B (pista 5 del álbum). El álbum salió el 25 de julio de 1969 (Reino Unido) y el 15 de octubre de 1969 (Estados Unidos), por Atlantic.

Live performances

No figura en ninguna de las sesiones BBC publicadas (Something's Coming: The BBC Recordings 1969–1970, NMC 1997), ni en las tomas de Beat Club de noviembre de 1969.^[60] Estreno en vivo y presencia en el repertorio de 1969: no se halló documentación.

Recording and release

Contexto común del disco: grabado en la primavera de 1969, mayormente en Advision, con sesiones adicionales en Trident (Londres). Producción: Paul Clay y Yes. Ingeniero: Gerald Chevin (John Anthony en las sesiones de Trident). No está documentado en qué estudio se grabó este tema.^[61]

Contexto que incide directamente en este tema, por ser el de mayor protagonismo de Bruford:

• Era la primera vez que Bruford grababa en un estudio profesional; recién casi al final se dio cuenta de que podía ajustar en los auriculares el volumen de los demás, y grabó con la guitarra fuerte en un oído y nada en el otro.^[62]
• Bruford describió su batería en el disco como una mezcla de todo lo que había escuchado y reconoció después su ingenuidad, en particular el querer swinguear en los platillos.^[63]
• Banks se quejó de que la batería sonaba a latas de galletitas por culpa de la producción de Clay.^[64]
• Dos días para hacer funcionar un Hammond alquilado: Kaye tenía un Vox Continental disfrazado de Hammond. Es relevante porque el órgano de Kaye es central en la introducción de este tema.^[65]

No se halló ninguna anécdota de grabación específica de «Harold Land».

The arrangement, according to the critics

• AllMusic lo señala como el primer tema en que el bajo de Squire se oye con algo parecido al protagonismo que tendría después; anticipa en su estructura las suites en varias partes, por su introducción extendida y sus cambios de textura, timbre y volumen; destaca la interpretación de Anderson.^[66]
• La introducción arranca con Squire sobre un shuffle de Bruford; el Hammond de Kaye empuja la interacción bajo-batería; Banks entra con una guitarra angulosa; hacia el segundo 50 entra el coro en «ahh» con cambio de compás; después la canción se aquieta en una narración más convencional. La letra no tiene relación con el saxofonista.^[67]
• Una reseña de aficionado destaca el arreglo de órgano y piano de Kaye y la batería de Bruford.^[68]

Meaning

La letra trata los efectos de la guerra sobre el personaje que da título al tema.^[69] No se halló ninguna declaración de Anderson, Squire o Bruford sobre el sentido de la letra ni sobre una guerra concreta.

Edward Macan señala «Yours Is No Disgrace» (1971) como el tema generalmente reconocido como la primera canción antibélica de Yes.^[70] Cronológicamente, «Harold Land» es el primer tratamiento del tema bélico en un disco de Yes, línea que sigue en «Yours Is No Disgrace» y llega a «The Gates of Delirium» (Relayer, 1974).

Lyric notes

Un hombre común cierra su vida doméstica con gestos cotidianos y parte a la guerra prometiendo volver, sin creerlo; la segunda estrofa es la marcha y el frente, con barro, frío y miedo; un estribillo de regreso a casa; la vuelta, dos años después, condecorado pero envejecido por dentro, habiendo perdido el amor y la juventud; el cierre declara que la guerra mata el corazón.

• La frase con que se despide el personaje coincide con el título de las memorias de guerra de Robert Graves, Good-Bye to All That (1929).
• El nombre del personaje se reutiliza en el verso final como juego de palabras con «land» (tierra, país): el país al que vuelve y el hombre vaciado se superponen.
• La estructura narrativa (partida, frente, regreso, epílogo) se corresponde con la estructura en secciones que la crítica señala en el arreglo.

A personal view

Bueno, la canción habla de un hombre que va a la guerra y cómo vuelve de la guerra con el corazón roto. Tiene una melancolía típica de Simon & Garfunkel, que era una influencia importante para ellos, Anderson y Squire en ese momento; sin embargo, se ven los arreglos típicos de rock sinfónico. Es una canción triste pero con una musicalización típica de rock sinfónico, con todos los instrumentos a la vez, haciendo escalas, acordes, proponiendo, etc. Es ya la definición bien clásica del Yes sinfónico que va a venir, el término sinfónico que se usó en el rock progresivo. Y la forma de llevar el bajo de Chris ya es una declaración de principios de cómo va a ser en toda la carrera. Nuevamente está presente el piano con el Hammond haciendo armonía. Vale la pena prestar atención a la voz, en este caso ronca, de Anderson, uno de sus timbres, cantando en general en octavas más bajas que en otros temas, quizás para enfatizar que está describiendo algo muy dramático . También  hay ciertas formas vocales de los primeros Bee Gees.

SIDE TWO · TRACK 6

Every Little Thing

John Lennon y Paul McCartney · Original: The Beatles, Beatles for Sale (1964)

Documented history

Origin and authorship

Versión de un tema de los Beatles, acreditado a Lennon–McCartney, del álbum Beatles for Sale (Parlophone, 4 de diciembre de 1964; en Estados Unidos, Capitol lo editó en Beatles VI, junio de 1965). Es una de las dos versiones del disco de Yes, junto con «I See You» de los Byrds.^[71]

El original fue escrito esencialmente por McCartney, que dice haberlo compuesto en la sala de música de la casa londinense de Jane Asher.^[72] Otras fuentes, con base en una entrevista de 1964, sitúan su origen en Atlantic City durante la gira estadounidense de agosto de 1964.^[73] Lennon lo atribuyó a McCartney, admitiendo un posible aporte propio.^[74] John Winn concilia ambas versiones: empezado en Londres, terminado con Lennon en Atlantic City.^[75] McCartney quería que fuera single, pero juzgó que no tenía lo necesario.^[76]

El original se grabó en EMI (Abbey Road) el 29 y 30 de septiembre de 1964, en nueve tomas; Ringo agregó timbales en los estribillos y McCartney un piano de contramelodía. Duración: 2:01. Voz principal compartida por Lennon y McCartney al unísono en las estrofas.^[77]

Desde su formación en agosto de 1968 la banda recorrió el Reino Unido con un repertorio mixto de temas propios y versiones reelaboradas de rock, pop, soul y jazz.^[78] Durante la residencia en el Marquee de la primera mitad de 1969, «Every Little Thing» figuraba en el repertorio junto con «I See You».^[79] No se halló declaración de la banda sobre quién propuso el tema ni cuándo se armó el arreglo.

Como contexto, Anderson y Squire, al conocerse en 1968, compartían el gusto por los Beatles, los Byrds y Simon & Garfunkel.^[80] La comparación con las reelaboraciones dee la banda Vanilla Fudge ,  “ticket to  ride” y otras  es de la crítica, no de la banda.^[81]

Release

No fue single (los singles del disco fueron «Sweetness», 4 de julio de 1969, y «Looking Around», 3 de octubre de 1969). Pista 2 del lado B (pista 6 del álbum). El álbum salió el 25 de julio de 1969 (Reino Unido) y el 15 de octubre de 1969 (Estados Unidos), por Atlantic.^[82]

Live performances

• BBC, Top Gear (John Peel), 12 de enero de 1969 (5:32). Es decir, el arreglo ya existía antes de entrar al estudio. Editado en Something's Coming: The BBC Recordings 1969–1970 (NMC, 1997; en Estados Unidos, Beyond and Before, PurplePyramid). Una reseña de 1997 describe la introducción como una zapada extendida con un par de compases de «Day Tripper».^[83]e
• BBC, Sunday Show (Symonds on Sunday), 17 de marzo de 1970 (6:49), con Banks todavía en la banda. Misma compilación. Esta versión dura casi un minuto más y tiene variantes en la introducción.^[84]
• El LP Broadcasts 1969 (sello 1960s Records, 2022, edición de origen dudoso) atribuye una versión a la televisión alemana WDR (Big Apple, Wiesbaden, 26 de agosto de 1969) y otra a Symonds on Sunday del 4 de agosto de 1969.
• No figura en las tomas de Beat Club de noviembre de 1969 (DVD The Lost Broadcasts, Voiceprint, 2009).^[85]
• Recuperación tardía: tocado en la gira del 35.º aniversario (2004) por la formación de Anderson, Howe, Squire, Wakeman y White; registrado en Songs from Tsongas (Tsongas Arena, Lowell, Massachusetts, 15 de mayo de 2004).^[86]

Recording and release

Contexto común del disco: grabado en la primavera de 1969, mayormente en Advision, con sesiones adicionales en Trident (Londres). Producción: Paul Clay y Yes. Ingeniero: Gerald Chevin (John Anthony en Trident). No está documentado en qué estudio se grabó este tema.^[87]

Contexto que incide en este tema, por ser el de mayor protagonismo de guitarra y batería:

• Banks juzgó a Clay inadecuado para una banda de rock y se quejó del sonido de la batería y de su propia guitarra.^[88]
• Chevin pedía bajar los volúmenes; Banks los subía cuando nadie miraba.^[89]
• Bruford, en su primera sesión profesional, grabó con la guitarra fuerte en un oído y nada en el otro. Es relevante porque la crítica destaca justamente la interacción guitarra–batería en este tema.^[90]

No se halló ninguna anécdota de grabación específica de «Every Little Thing».

Squire contó que recién valoró la versión en 1984, cuando, después de tocar en el Madison Square Garden, la escuchó por radio, le gustó la instrumentación y no se dio cuenta de que era Yes hasta que entró la voz de Anderson.^[91]

The arrangement, according to the critics

• AllMusic la llama la versión de los Beatles más audaz aparecida en un disco inglés; destaca la introducción de tono apocalíptico, los cambios de tempo y dinámica, la guitarra de Banks y la batería de Bruford tan activas que parecen tocar varias canciones a la vez, y una interpretación vocal de Anderson muy carismática.^[92]
• Richie Unterberger describe una pared de sonido densa, varios cambios de tempo y de tonalidad, y una introducción en forma de zapada que cita «Day Tripper».^[93]
• Empieza como instrumental impulsado por el bajo de Squire y la batería de Bruford, con un leve phasing en los tambores; la voz entra recién hacia el minuto dos; luego el arreglo avanza a los tirones, frenando y retomando.^[94]
• Preston Frazier atribuye a Banks los fraseos de «Day Tripper» y subraya el contraste entre la lectura casi tierna de Anderson y el backbeat agresivo de Bruford y Squire.^[95]
• La versión triplica la duración del original y pasa del jazz al hard rock y al power pop; Graham Reid la compara con Vanilla Fudge.^[96]

«Day Tripper» (Lennon–McCartney) salió como doble lado A con «We Can Work It Out» el 3 de diciembre de 1965; su riff de guitarra es el material citado.^[97]

Meaning

La letra es la de McCartney; no se halló ninguna declaración de Anderson, Squire, Banks, Kaye o Bruford sobre su sentido ni sobre por qué eligieron esta canción.

Lecturas críticas del original, utilizables como marco:

• Ian MacDonald destaca su profundidad emocional y la usa contra la imagen de McCartney como compositor liviano.^[98]
• Tom Ewing lee al narrador como melancólico: su afirmación de ser afortunado suena a intento de convencerse a sí mismo.^[99]
• Matthew Caws señala la disyunción entre una letra feliz y simple y una melodía triste y engañosamente compleja.^[100]

Lyric notes

El narrador cuenta que, cuando camina con ella, la gente le dice que es afortunado y él lo admite; recuerda que estuvo para él cuando la necesitó; el estribillo afirma que cada pequeño gesto de ella es un gesto hecho por él y para él; el puente declara que la ama.

• La tensión que Caws y Ewing ven en el original (letra de gratitud, música melancólica) es precisamente lo que Yes amplifica: la letra se mantiene íntima mientras el arreglo se vuelve turbulento.
• La cita de «Day Tripper» introduce, sobre una canción de devoción, el riff de una canción sobre una chica poco comprometida (en la lectura de MacDonald y de McCartney, una «viajera de fin de semana»). La yuxtaposición de amor entregado y amor fugaz puede leerse como comentario.
• La palabra «yes» aparece en la letra original en la afirmación de que el narrador es afortunado, coincidencia llamativa para una banda llamada Yes.
• La entrada tardía de la voz (hacia el 2:00) convierte una canción de dos minutos en algo con introducción instrumental extensa, como «Harold Land»; vale contrastar ambos temas como primeros ensayos de la forma extendida.

A personal view

El tema tiene un ataque de rock progresivo mostrando virtuosismo de Bruford y Banks que rockea y se luce sobre un redoble sostenido, y luego de la introducción, empieza el tema de los Beatles propiamente dicho con más rock y actitud de batería y de la banda en su totalidad, coros tipo S&G nuevamente y ya rockean el tema. Squire hace escalas típicas pero el protagonismo se los llevan Anderson, Bruford y Banks. 

SIDE TWO · TRACK 7

Sweetness

Jon Anderson, Chris Squire y Clive Bayley

Documented history

Origin and authorship

Acreditada a Jon Anderson, Chris Squire y Clive Bayley (la grafía «Bailey» aparece en la etiqueta original y en las notas de Something's Coming; Bayley es la forma que usa él mismo hoy).^[101]

Es una canción de la etapa Mabel Greer's Toyshop, no de Yes propiamente dicho. Squire conoce a Anderson en mayo de 1968, en La Chasse, el club de Jack Barrie;^[102] Anderson empieza enseguida a coescribir y a cantar con Mabel Greer's Toyshop; Bruford toca su primer concierto con ellos el 7 de junio de 1968; en julio entra Kaye, Banks vuelve en reemplazo de Bayley, que se va, y la formación pasa a llamarse Yes (primer concierto con ese nombre: 4 de agosto de 1968).^[103] Por lo tanto, la ventana de composición con los tres autores juntos es mayo–junio/julio de 1968.

Fue, según Wikipedia, la primera canción que Anderson y Squire escribieron juntos tras conocerse.^[104] Si se confirma, «Sweetness» es literalmente la primera piedra de la sociedad compositiva Anderson–Squire, lo que la vuelve más importante históricamente de lo que su perfil musical sugiere.

Bayley dice que la coescribió con Jon y Chris, sin detallar quién aportó qué (música, letra).^[105]

Preston Frazier dice que fue compuesta para el primer disco proyectado de Mabel Greer's Toyshop.^[106] Es afirmación de crítico, sin fuente citada; no hay constancia de que ese disco haya llegado a grabarse en 1968 (la banda grabó sesiones para John Peel y demos con Mike Leander para MCA).^[107]

Release

Fue el primer single de Yes y el que abrió la discografía de la banda.^[108]

• Reino Unido: Atlantic 584 280, lado B «Something's Coming» (Bernstein–Sondheim, de West Side Story), tema que no entró en el LP y que hasta 1997 solo estaba disponible como ese lado B.^[109] Fecha: 4 de julio de 1969.^[110]
• Versión de single: editada, de unos 3:43; reeditada en 2024 como «Sweetness (Mono Edit)» en el LP YesSingles 2 (Atlantic/Rhino).^[111] Que el single fuera una mezcla mono distinta del LP está implícito en ese título, pero no se halló descripción de las diferencias.
• El álbum no entró en los rankings del Reino Unido ni de Estados Unidos.^[112]

Banks no estaba de acuerdo con que fuera el single: la consideraba la canción que menos representaba el estilo de la banda.^[113]

En el álbum: pista 3 del lado B (pista 7). El álbum salió el 25 de julio de+ 1969 (Reino Unido) y el 15 de octubre de 1969 (Estados Unidos), por Atlantic.^[114]

Live performances

• BBC, Top Gear (John Peel), 12 de enero de 1969 (4:14), antes de entrar al estudio. Una reseña la describe como de arranque casi folk-rock, con un floreo de teclado temprano. Editada en Something's Coming: The BBC Recordings 1969–1970 (NMC, 1997).^[115]
• BBC, programa de Johnnie Walker, 14 de junio de 1969 (5:17), tres semanas antes del single: es, por fecha, una aparición promocional. Lleva una introducción hablada +que presenta a los integrantes, cuenta brevemente la historia de la banda y describe el tema. Misma compilación.^[116] - Disponible también en el canal oficial de la banda en YouTube (yesofficial), como "Intro / Sweetness (6/14/1969)".
• https://youtu.be/ck2ux5cq_0I?si=2_Yp16xXEH_Lflbq
• La introducción hablada (0:00–0:54) se transcribe completa más abajo.
• "John Anderson on vocals, Chris Squire on bass, Tony K is the organist, Bill Bruford on drums and Peter Banks guitarist. They're a new group who have been together for about nine months. This is a second actual radio session they did one for Top Gear in January and they're actually discovered by Roy Flynn who's a manager of one of London's in clubs and one night he was faced with a group about ten minutes before they were due to go on, they rang up and said they couldn't make it so he panicked like mad to find a group and somebody suggested Yes who lived just around the corner. So Roy got in his car, round there, got them up out of bed and they played at the club and completely blew everybody's minds. They write most of their own songs and this one called Sweetness it's very nice indeed. Listen to John Anderson now, he's got a lot of soul and the song tells a story of that certain type of girl who knows exactly when to take two paces back and sort of leave you alone, going to take two paces forward and sort of provide that little shoulder to cry on. It's a lovely song it's called Sweetness."

No se halló documentación de que se tocara en vivo después de 1969–1970, ni en reuniones o giras de aniversario. Estreno en vivo: no documentado.

Other versions and uses

• Mabel Greer's Toyshop, New Way of Life (2015; Bayley, Hagger, Barré, con Tony Kaye y Billy Sherwood). Bayley explica la nueva versión: su voz es una octava más grave y de otro estilo que la de Anderson, y lo distintivo es una guitarra principal que recorre todo el tema en contrapunto y lo lleva a otro estilo. Kaye, que tocó el órgano en la versión de 1969, participa del disco.^[117]
• La película Buffalo '66 (Vincent Gallo, 1998) usa «Sweetness» y «Heart of the Sunrise».^[118] Figura en el CD de la banda sonora (BMG/Milan, 1999) y en el LP de Family Friend Records (2023).^[119] Es probablemente la vía por la que más oyentes jóvenes conocieron el tema.

Recording and release

Contexto común del disco: grabado en la primavera de 1969, mayormente en Advision, con sesiones adicionales en Trident (Londres). Producción: Paul Clay y Yes. Ingeniero: Gerald Chevin (John Anthony en Trident). No está documentado en qué estudio se grabó este tema.^[120]

Contexto que incide en este tema, por ser el que más depende del órgano:

• La banda pasó dos días tratando de hacer funcionar un órgano Hammond alquilado para Kaye, cuyo instrumento propio era un Vox Continental disfrazado de Hammond.^[121] Frazier señala que el órgano de Kaye es la principal chispa instrumental del tema.
• Las quejas de Banks sobre el sonido de batería y guitarra valen igual que para el resto del disco.^[122]

No se halló ninguna anécdota de grabación específica de «Sweetness».

The arrangement, according to the critics

• Preston Frazier la juzga una canción pop lograda más que progresiva: las armonías de la introducción muestran el coro de Yes; Anderson canta una canción de amor directa aprovechando su registro; el órgano de Kaye es el motor instrumental. La ve como el retrato de una banda que todavía no es más que la suma de sus partes.^[123]
• David F. Wagner escribió una reseña favorable del disco que, sin embargo, le reprocha a «Sweetness» un tono excesivamente sentimental. Es la única crítica de época hallada que menciona el tema.^[124]
• Sobre la versión de la BBC: agradable y pop, con un toque progresivo.^[125]

Meaning

No se halló ninguna declaración de Anderson, Squire o Bayley sobre el sentido de la letra ni sobre quién la escribió. Lo único que dice la banda sobre el tema es el juicio de Banks: la menos representativa del estilo de Yes.

Lyric notes

El narrador describe a una mujer que ilumina una tarde de lluvia, que le pone dulzura a todo como quien endulza una taza y lo revuelve con la cuchara, que está atenta a sus estados de ánimo sin hundirlo nunca y que le devuelve la calma. El estribillo repite la imagen de la dulzura derramada por todas partes.

• La imagen central es doméstica y concreta (la cuchara, la taza): una metáfora casi de cocina inglesa, muy lejos del vocabulario cósmico que Anderson desarrollará desde The Yes Album. Si «Sweetness» es la primera colaboración Anderson–Squire, su letra es el punto cero desde el cual medir esa evolución.
• En el disco queda entre «Harold Land» (la guerra y sus secuelas) y «Survival» (la naturaleza): es la única canción de amor propia del lado B (la otra, «Every Little Thing», es de McCartney). Vale leer el lado B como secuencia: guerra, amor prestado, amor propio, vida.
• Contraste con «Every Little Thing», que la precede: allí la letra de gratitud hacia una mujer queda envuelta en un arreglo turbulento; aquí la misma clase de letra recibe un arreglo que .la acompaña sin tensión. Dos letras emparentadas, dos relaciones opuestas con su música, en pistas consecutivas.
• El título reaparece casi como eco en «Sweet Dreams» (Time and a Word, 1970, Anderson–Foster).
• Jonathan Rosenbaum lee Buffalo '66 como una brutalidad masculina que se vuelve dulzura una vez que irrumpe el amor redentor. La elección de «Sweetness» por Gallo encaja con esa lectura.^[126]

A personal view

Otra balada, ahora pop de amor y gran dulzura donde se destaca la voz más dulce de Anderson casi a nivel de murmullo. La banda lo trabaja como pop con poco rock progresivo en general, sí coros en escalas. Bien ubicada la banda dando al tema y a Anderson su lugar. Vale destacar el cierre de la guitarra con fraseos característico de toda la obra de Yes.( ver tema 3 del disco Relayer) Mi tema preferido del disco. Anderson ofrece matices partiendo de lo íntimo a la proclamación intensa.

SIDE TWO · TRACK 8

Survival

Jon Anderson

Documented history

Origin and authorship

Acreditada solo a Jon Anderson (como «John» en la edición original).^[127] Con «Yesterday and Today», es una de las dos canciones del disco firmadas por Anderson solo.

El crédito no refleja el proceso: la canción tuvo aportes de toda la banda, y no llegó a trabajarse del todo por el poco tiempo que tenían para terminar el disco.^[128] .

Fecha de composición: no documentada. No figura en ninguna de las sesiones de BBC de 1969–1970 reunidas en Something's Coming, a diferencia de «Sweetness», «Every Little Thing» o «Looking Around».^[129] Las primeras interpretaciones registradas fuera del disco son de televisión, en octubre y noviembre de 1969.

Release

En el álbum: pista 4 del lado B (pista 8); cierra el disco. El álbum salió el 25 de julio de 1969 (Reino Unido) y el 15 de octubre de 1969 (Estados Unidos), por Atlantic.^[130] No salió como single ni como lado B.

Compilaciones de Atlantic:

• Yesterdays (28 de febrero de 1975): lado 2, pista 2. Llegó al puesto 17 del Billboard 200 y al 27 en el Reino Unido. Por esta vía la canción llegó a un público masivo recién seis años después de grabada, y con portada de Roger Dean.^[131]
• Yesyears (1991): disco 1, pista 2.^[132]
• Es el único tema del primer disco incluido en ambas compilaciones (Yesterdays lleva además «Looking Around»; Yesyears, «Every Little Thing»). Indicio de que la propia banda o el sello la consideraban lo más representativo del debut.

Live performances

• Pop-Eye, televisión belga (BRT), Bruselas, 15 de octubre de 1969 (6:11), junto con «Beyond and Before». Yes "Beyond and before + Survival" Live Bruxelles 15 oct 1969
• Circula en ediciones de archivo de procedencia dudosa: In the Beginning (LP/CD, sin fecha clara), Broadcasts 1969 (LP, 2022) y Live Collection 1968–1971 (HSP, 2 CD, 18 de abril de 2025).^[133]
• Beat Club (televisión alemana), noviembre de 1969, en blanco y negro: la banda tocó «No Opportunity Necessary, No Experience Needed», «Looking Around» y «Survival», pero solo se emitió una canción; las tomas de «Looking Around» y «Survival» quedaron inéditas hasta el DVD The Lost Broadcasts (2009/2010).^[134]
• Gira de 1978–79: hay testimonios contradictorios sobre si estaba en el repertorio.
• Yestival 2017 (gira norteamericana, agosto–septiembre): abría el set de Yes, seguida de «Time and a Word». Formación: Steve Howe, Alan White, Geoff Downes, Billy Sherwood, Jon Davison y Dylan Howe; ninguno tocó en la grabación original. Frazier cree que era la primera vez que la tocaban la mayoría, incluidos White y Howe, y describe el bajo de Sherwood al frente, el órgano de sonido Hammond de Downes y una doble batería de pulso jazzístico.^[135]
• La gira de 2017 se planteó con al menos un tema de cada uno de los primeros diez discos, exactamente el alcance de este libro; al anunciarla, Howe habló de los primeros nueve.^[136]

Estreno en vivo: no documentado.

Other

Anderson tituló un disco solista Survival & Other Stories (2011). En una entrevista de ese año explica el título por haber sobrevivido a su enfermedad de 2008 y no menciona la canción de 1969.^[137] Es una coincidencia sin vínculo documentado.

Recording and release

Contexto común del disco: grabado en la primavera de 1969, mayormente en Advision, con sesiones adicionales en Trident (Londres). Producción: Paul Clay y Yes. Ingeniero: Gerald Chevin (John Anthony en Trident). No está documentado en qué estudio se grabó este tema.^[138]

Específico de este tema:

• No se terminó de trabajar por falta de tiempo. Es la única canción del disco para la que hay constancia de que quedó por debajo de lo que la banda pretendía.^[139]
• Con los años le resultó molesta a Bruford, por la letra de inspiración ecológica y por una melodía que calificó de «drippy».^[140] Bruford reconoció también su manera ingenua de tocar en ese disco, en especial el swing sobre los platillos, justo el rasgo que Frazier destaca en este tema.^[141]
• Valen igual que para el resto del disco el problema del órgano alquilado de Kaye y las quejas de Banks sobre el sonido.^[142]

The arrangement, according to the critics

• La introducción instrumental es de corte progresivo, con una apertura de guitarra distorsionada; armonías ajustadas entre Anderson, Banks y Squire; floreos pulsantes del órgano de Kaye; Bruford sostiene un pulso jazzístico centrado en el platillo ride. Cuando entra el tema principal, la canción se vuelve más convencional: una banda todavía tentativa en lo progresivo.^[143]
• Junto con «Looking Around», prueba que Anderson ya era un melodista consumado: un juicio opuesto al de Bruford sobre la misma melodía.^[144]
• Sobre la versión de Pop-Eye: atraviesa estados distintos (vivaz, pensativo, optimista), con un riff pegadizo y letra ecológica.^[145]
• Las reseñas de 1969–1970 recogidas por Wikipedia (Bangs, Campbell, Wagner) no la mencionan.

Meaning

• Anderson, treinta años después: «a simple story about how nature is an amazing thing that surrounds us».^[146]
• Bruford rechazó la letra por «ecológica». Es la única lectura de otro integrante y confirma que en la banda se la entendía como canción sobre la naturaleza.^[147]

Lyric notes

Con la luz de la mañana empieza una vida dentro de un huevo en un campo; la madre se fue volando demasiado tarde y lo que hay dentro queda librado a su suerte, sin saber cómo lo recibirá el mundo; el narrador pregunta si somos culpables. El estribillo generaliza: hay vida dentro de cada uno, los finales de ayer dan la vida de mañana, todo lo que muere muere por una razón, para darle fuerza a las estaciones; los vivos tienen derecho a vivir y a saber. Luego el huevo se rompe, el pichón grita, busca al padre ausente y conoce la soledad; cae la noche con su miedo; alguien cree todavía que puede escapar del destino, y es tarde. La canción cierra pidiendo valorar lo que hay y con la repetición de que todos vamos hacia alguna parte.

• Es la primera letra de Anderson del disco con estructura narrativa (nacimiento, abandono, eclosión, soledad, noche) que desemboca en un estribillo de alcance cósmico (la muerte como alimento del ciclo de las estaciones). Ese salto de la escena concreta a la ley general es el procedimiento que Anderson desarrollará desde 1971.
• La glosa tardía de Anderson (una historia simple sobre lo asombrosa que es la naturaleza) suaviza un texto bastante más sombrío: abandono materno, el grito del pichón, el miedo nocturno, un arma, y la ambivalencia de un estribillo que hace rimar triunfo y pecado en la supervivencia. Vale la pena mostrar la distancia entre la letra de 1969 y su autointerpretación de 1999.
• Bruford la llama ecológica; hoy se la lee como antecedente de «Don't Kill the Whale» (1978). La lista de temas de 2017 las tocó en el mismo concierto.
• Frazier describe una introducción progresiva que desemboca en un tema más convencional. Conviene comprobar a oído si el arreglo sigue el arco del relato (luz, nacimiento, anochecer) o si la música se mantiene estable mientras la letra se oscurece. Ese es el punto donde el capítulo puede decir algo propio.
• Cierre del lado B, que puede leerse como secuencia: guerra, amor prestado, amor propio, vida. «Survival» cierra la serie con el nacimiento y termina el disco con un final abierto (todos vamos hacia alguna parte), leíble como cierre programático de un primer disco.
• El título como ironía retrospectiva (una banda que sobrevivió a todo) es lectura de Frazier, no de la banda; a lo sumo, nota de recepción.

A personal view

Este ya es un tema con formato clásico de Yes, pretencioso antropológico, ya con distintos climas: introducción electrica, luego pasaje de guitarra acústica, climas con segunda guitarra y teclados de fondo. Y el bajo muy líder. Anderson con elegancia a lo Sinatra. El tema conecta con el camino de libertad y el destino, y la iniciación  de experiencias de vida presente en temas anteriores; hay que pensar que eran muy jóvenes en este momento, despertando a muchas cosas. El tema alcanza un clímax como los grandes temas de Yes. Luego se despide con un juego de virtuosismo progresivo o simpático. 

Al momento de la grabación (marzo–mayo de 1969): Jon Anderson, 24; Tony Kaye, 23; Peter Banks, 21; Chris Squire, 21; Bill Bruford, 19 (cumplió 20 durante las sesiones).

Síntesis

Es el disco seminal de una banda ambiciosa en dónde se muestran cuatro facetas muy definidas

 a) Beyond And Before Looking Around y  survival son las semillas de muchos de los temas de los próximos discos reflejan la identidad que va a tomar la banda Entre ellos Looking Around era mi favorito por el tiempo de rock enérgico que los preadolescentes como lo era yo entonces , deseábamos y disfrutábamos como descarga y a la vez impulso   movilizador .

b) Por otro lado los covers I See You y Every Little Thing son plataformas experimentales donde hay un diálogo jazzístico muy claro entre Bradford  y Banks, pero no fue  un camino no es un camino que la banda haya profundizado,  es un recurso en potencia que aparece más tarde en otros temas como Siberian Krathu  ya con la Guitarra de Steve Howe  pero aún  con la Batería de Bradford o incluso más adelante con la llegada de Patrick Moratz,  pero insisto, el jazz y el jazz fusión no es un Estilo que no va a estar muy presente en los discos posteriores .

C) tenemos temas románticos como Yesterday And Today  y  sweetness que tampoco van a ser una piedra fundamental de la discografía de Yes aunque encontraremos si en obras solistas de Andersen o sin Vangelus. Respecto a baladas yl canciones románticas algo de eso  muestran canciones como Wonder Stories Del disco Going For The One o mismo en Onward del disco Tormato, pero insisto lo romántico no es un camino que haya seguido la banda.

 D) Queda como extrañeza Harold Land , un tema dramático cantado de forma dramática y eso sí es un Estilo completamente dejado de lado. La banda recorrerá caminos de experimentación musical, de fusión de géneros, de virtuosismo en las ejecuciones, de exploraciones metafísica y religiosas y expansión sonora, procurando siempre entregar una energía positiva.